Morti Quest'Anno: Figure di Rilievo nel Mondo dell'Arte

Letto: 101

Ogni dicembre, si commemorano le figure del mondo dell’arte scomparse nel corso dell’anno. Nel 2025, la lista include personalità famose e meno note, addetti ai lavori ed esterni, figure con lunghe carriere e altre la cui vita si è interrotta prematuramente.

Alonzo Davis, fondatore di una delle prime gallerie di proprietà di persone di colore negli Stati Uniti, è morto a gennaio all’età di 82 anni. Nato a Tuskegee, Alabama, Davis ha aperto la Brockman Gallery a Los Angeles con suo fratello Dale Brockman Davis nel 1967. La galleria, rimasta aperta fino al 1990, ha ospitato mostre che includevano opere di artisti neri come David Hammons, Suzanne Jackson, Kerry James Marshall, Senga Nengudi, John Outterbridge, Noah Purifoy e Carrie Mae Weems. Artista a sua volta, Davis ha realizzato stampe, installazioni e dipinti esposti allo Studio Museum di Harlem e nella storica galleria Just Above Midtown di Linda Goode Bryant.

La pittrice nativa americana Jaune Quick-to-See Smith è morta a gennaio all’età di 85 anni. Artista e attivista, Smith è nota per le sue tele, spesso nello stile di Joan Miró, Jasper Johns e altri giganti del XX secolo, che affermavano il legame dei nativi americani con le loro terre ancestrali. Una retrospettiva del Whitney Museum nel 2023 ha consolidato la sua reputazione di artista; la prova della sua influenza come educatrice e curatrice è stata recentemente evidente allo Zimmerli Art Museum della Rutgers University, dove Smith ha organizzato la mostra “Indigenous Identities: Here, Now & Always”.

L’artista Jo Baer, pioniera che ha iniziato come pittrice minimalista prima di passare a quella che lei chiamava “figurazione radicale”, è morta a gennaio all’età di 95 anni. Il suo passaggio all’arte figurativa – e a un’arte figurativa bizzarra, caratterizzata da immagini oniriche – ha spiazzato i critici, ma non più delle sue prime opere minimaliste, per lo più tele bianche bordate da uno o due colori non minimalisti. Entrambi i cicli di opere hanno trovato un nuovo pubblico negli ultimi anni, mentre il rifiuto di Baer di conformarsi le ha fatto guadagnare fan tra i giovani artisti.

L’acclamato regista David Lynch è morto a gennaio all’età di 78 anni. I suoi film, tra cui Eraserhead, Velluto blu e Mulholland Drive, così come la sua serie televisiva Twin Peaks, erano così distintamente suggestivi e inquietanti che l’aggettivo Lynchiano è arrivato a descrivere sia un tropo narrativo – la stranezza, l’inconoscibilità e forse anche il male che possono celarsi sotto la superficie del banale – sia uno stile di regia che coinvolge un’inquietante sound design, immagini bizzarre e trame in evoluzione. Lynch ha frequentato la Pennsylvania Academy of Fine Art prima di dedicarsi al cinema; ha realizzato arte per gran parte della sua carriera e ha ricevuto una retrospettiva di pittura presso la sua alma mater nel 2014.

Richard Flood, che ha ricoperto incarichi curatoriali di alto livello al New Museum di New York e al Walker Art Center di Minneapolis, è morto a febbraio all’età di 81 anni. Nel corso dei suoi decenni di curatela, ha organizzato o co-organizzato mostre di successo come “Brilliant: New Art from London”, al Walker, e “Unmonumental: The Object in the 21st Century” al New Museum. Flood ha iniziato la sua carriera come managing editor di Artforum; ha anche fatto un periodo come direttore della galleria Barbara Gladstone, ha insegnato e ha scritto critica d’arte. Era un interprete riflessivo e articolato della nuova arte.

L’artista concettuale Mel Bochner, la cui interrogazione dei sistemi di rappresentazione è stata un segno distintivo del suo lavoro, è morto a febbraio. Aveva 84 anni. All’inizio della sua carriera, le installazioni e le opere a parete di Bochner impiegavano misurazioni, numeri, parole e persino fotocopie dei disegni di altre persone. È apparso in alcune delle più importanti mostre di arte concettuale degli anni ’70, tra cui “Information” al Museum of Modern Art e Documenta 5 di Harald Szeeman. Sebbene la sua produzione di quel periodo gli avesse fatto guadagnare un seguito critico, il pubblico di Bochner sarebbe cresciuto notevolmente quando, nei suoi ultimi decenni, si è dedicato alla pittura. Caratterizzate da filze di parole a volte senza senso o volgari eseguite con vernice sgocciolante e colorata su velluto sono amaramente divertenti, anche se mettono in mostra i limiti del linguaggio.

Walter Robinson – pittore, scrittore d’arte, editore, editore di riviste e figura fissa della scena del centro di New York degli anni ’80 – è morto a febbraio all’età di 74 anni. Membro poco conosciuto della generazione Pictures, Robinson ha esposto dipinti di cene televisive, copertine di libri tascabili pulp, gatti persiani e altri indicatori leggermente datati della vita americana al Metro Pictures, il quartier generale non ufficiale della generazione Pictures. All’inizio della sua carriera giornalistica, Robinson ha scritto per Art in America, ha co-fondato la rivista Art-Rite di breve fama e ha co-creato il programma televisivo di accesso pubblico ArtBeat. Successivamente è stato il fondatore e redattore della rivista Artnet, dove non solo ha recensito l’arte, ma ha anche espresso il suo parere sulle personalità, le tendenze e gli scandali del mondo dell’arte. Dopo aver lasciato Artnet, ha continuato a scrivere critiche incisive, coniando più famosamente la descrizione “zombie formalism” per descrivere una tendenza nell’arte astratta dell’epoca.

Nona Faustine, una fotografa il cui lavoro esaminava l’esperienza dei neri in America, è morta a marzo all’età di 48 anni. Secondo sua sorella, la sua morte è sopraggiunta dopo una battaglia di cinque anni contro il cancro. Faustine ha realizzato serie basate sulla ricerca che esploravano la storia dell’oppressione basata sulla razza e sul genere negli Stati Uniti, anche se celebravano la forza e la perseveranza delle donne nere. Era nota per gli autoritratti performativi per i quali posava nuda negli ex siti di aste di schiavi a New York; in un’altra serie, barriere fuori fuoco occludono le viste dei monumenti nazionali come il Lincoln Memorial, come a mettere in discussione chi ha accesso alle libertà che promettono.

Fred Eversley, un artista associato al movimento Light and Space della California degli anni ’70, è morto a marzo all’età di 83 anni. Come i suoi colleghi, che includevano Larry Bell e De Wain Valentine, Eversley ha realizzato sculture astratte eleganti con materiali industriali. A differenza loro, tuttavia, Eversley non proveniva da un background artistico, ma ha lasciato un lavoro di ingegneria per diventare scultore. Mentre altri della sua coorte si concentravano sui fenomeni percettivi, Eversley era interessato a ritrarre soggetti scientifici come buchi neri e parabole. “Il mio impegno e la mia attenzione in tutti questi anni derivano dalla mia convinzione che l’energia sia la fonte di ogni cosa nel mondo”, ha detto ad Artforum nel 2022. “Quindi ho solo cercato di spingere quell’idea il più lontano possibile”.

L’architetto Ricardo Scofidio, che con sua moglie, Elizabeth Diller, ha fondato lo studio ora noto come Diller Scofidio + Renfro, è morto a marzo all’età di 89 anni. Insieme a Diller e al socio dello studio Charles Renfro, Scofidio è forse meglio conosciuto per la progettazione di musei, tra cui l’Institute of Contemporary Art Boston, l’ampliamento del Museum of Modern Art del 2019 e il Broad di Los Angeles. Mentre lo studio ha completato progetti in tutto il mondo, Scofidio e i suoi partner hanno avuto un effetto enorme sulla vita culturale di Manhattan, con progetti come la High Line e il futuristico Roy and Diana Vagelos Education Center della Columbia University. Sebbene non tutti gli sforzi dello studio siano amati, l’inclinazione dei suoi co-fondatori verso la sperimentazione ha plasmato il modo in cui l’architettura pubblica viene vissuta per più di 40 anni.

Arthur “Art” Green, un pittore chiave degli Imagist di Chicago e membro originale degli Hairy Who, la risposta elettrizzante di Chicago alla Pop Art, è morto ad aprile all’età di 83 anni. Gli Hairy Who – che includevano anche gli artisti James Falconer, Gladys Nilsson, Jim Nutt, Suellen Rocca e Karl Wirsum – hanno esposto insieme solo dal 1966 al ’69, ma collettivamente hanno creato un’eredità formidabile con opere umoristiche e allucinatorie ispirate al surrealismo, all’Art Brut, ai fumetti e alla pubblicità. Secondo la galleria newyorkese di Green, Garth Greenan, “Nel corso della sua prolifica carriera, Green ha sviluppato una ricca iconografia personale. I suoi dipinti erano popolati da immagini archetipiche e totemiche di coni gelato, motivi di venature del legno, fiamme ondeggianti e unghie perfettamente smaltate”.

Guy Ullens, un miliardario belga che ha accumulato una delle più importanti collezioni di arte contemporanea cinese al mondo, è morto ad aprile all’età di 90 anni. Mentre faceva affari in Cina negli anni ’90, Ullens ha incontrato artisti contemporanei cinesi come Ai Weiwei in un momento in cui la scena si stava espandendo in modo significativo, come Ullens ha detto al Wall Street Journal nel 2013. Con la sua defunta moglie, Myriam, Ullens avrebbe continuato ad acquistare importanti opere di Liu Xiaodong, Liu Wei, Zeng Fanzhi, Huang Yong Ping, Wang Keping e altri; la sua collezione alla fine comprenderebbe da 1.500 a 2.000 opere. Nel 2017 la coppia ha venduto la collezione per concentrarsi sull’arte contemporanea indiana, aderendo al modello consolidato di Ullens di disinvestire per finanziare nuove aree di mecenatismo.

Elaine Wynn, cofondatrice di Wynn Resorts a Las Vegas che ha investito i suoi miliardi nella collezione d’arte e nella filantropia per l’arte e l’istruzione, è morta ad aprile all’età di 82 anni. Wynn e il suo ex marito, Stephen A. Wynn, hanno lasciato un’impronta indelebile su Las Vegas, aprendo casinò dal Mirage al Bellagio al Wynn. La sua collezione d’arte comprendeva nomi importanti come Édouard Manet, Joan Mitchell e Lucian Freud; come filantropa, è stata co-presidente del consiglio di amministrazione del Los Angeles County Museum of Art e amministratrice fiduciaria di lunga data e per un certo periodo presidente dell’organizzazione nazionale senza scopo di lucro Communities in Schools. “I bambini possono venire in una scuola che ha ottimi insegnanti, ma se sono affamati, mal vestiti o hanno una brutta situazione familiare, non sono ricettivi all’apprendimento quel giorno”, ha detto alla rivista New York Times nel 2012.

Abel Rodríguez, un artista colombiano Nonuya che ha creato delicati disegni a inchiostro di alberi e piante nativi amazzonici, è morto ad aprile. Si ritiene che avesse circa 80 anni. Nell’ultimo decennio Rodríguez è diventato una star del circuito internazionale, con apparizioni nelle recenti biennali di Gwangju, Sydney, San Paolo e Toronto. L’anno scorso è apparso alla Biennale di Venezia insieme a suo figlio Wilson Rodríguez, un artista che lavora con il nome di Aycoobo. Sebbene Rodríguez sia stato accolto dal mondo dell’arte, non considerava necessariamente il suo lavoro arte, ma piuttosto lo vedeva come un mezzo per trasmettere la conoscenza indigena. “Nella mia lingua, parliamo di conoscenza, lavoro, intelligenza e artigianato: questo è ciò che c’è dietro le immagini”, ha detto a un intervistatore. “Arte? Non credo”.

Bill Horrigan, un curatore che ha trasformato il Wexner Center for the Arts dell’Ohio in una destinazione per l’arte cinematografica e video, è morto a maggio all’età di 73 anni. Durante i suoi 34 anni al Wexner, Horrigan ha costruito un programma di immagini in movimento attentamente sorvegliato che ha attirato l’attenzione di professionisti come il regista francese Chris Marker e l’artista americano di video e installazioni Julia Scher. Ha anche lavorato come consulente curatoriale per la Whitney Biennial del 2008; ha contribuito a organizzare la programmazione di Video Data Bank, una società di distribuzione di video arte; e ha guidato l’edizione del 1989 di Video Against AIDS. Prima di entrare a far parte del Wexner, ha ricoperto posizioni al Walker Art Center di Minneapolis e all’American Film Institute.

Koyo Kouoh, la curatrice di origine camerunese dietro alcune delle più importanti mostre di arte contemporanea africana degli ultimi decenni, è morta a maggio all’età di 57 anni. Le era stato diagnosticato un cancro solo di recente. La sua morte è avvenuta pochi mesi dopo la sua nomina a curatrice della Biennale di Venezia del 2026. Kouoh è stata ammirata per aver creato mostre di arte africana per il popolo africano: nel 2008 ha fondato la RAW Material Company a Dakar, un centro d’arte indipendente che ora è considerato uno dei migliori spazi artistici dell’Africa occidentale, e dal 2019 è stata direttrice esecutiva e curatrice capo del Zeitz Museum of Contemporary African Art a Città del Capo, in Sud Africa.

Dara Birnbaum, una video artista che ha cambiato per sempre il suo mezzo con opere che si ribellavano ai media mainstream e sconvolgevano il flusso unidirezionale di informazioni dalla televisione allo spettatore, è morta a maggio all’età di 78 anni. Durante la fine degli anni ’70 e ’80, ha raccolto immagini da nastri piratati di programmi televisivi, poi le ha ri-sequenziate, esponendo forme latenti di pregiudizio che erano spesso invisibili a coloro che guardavano a casa. Il suo lavoro Technology/Transformation: Wonder Woman (1978-79), in cui le clip di Lynda Carter che interpreta il supereroe titolare vengono ripetute in loop, è ora considerato una pietra miliare dell’arte femminista. L’impegno di Birnbaum con le questioni attuali si è solo approfondito negli anni successivi. Nel 1990, ad esempio, ha realizzato Tiananmen Square: Break-In Transmission, un’installazione multi-monitor in risposta a una ribellione guidata dagli studenti in Cina l’anno precedente.

Rosalind Fox Solomon, una fotografa che ha creato immagini penetranti di alienazione, razzismo ed emarginazione negli Stati Uniti e oltre, è morta a giugno all’età di 95 anni. In una carriera che ha abbracciato quasi sei decenni, Fox Solomon ha fotografato individui che affrontavano la discriminazione, dai neri americani nel Sud alle persone con AIDS a New York ai palestinesi in Cisgiordania, registrando empaticamente le loro emozioni. Ma ha mantenuto le distanze dai suoi soggetti; il suo metodo di lavoro, ha detto, era inteso a capire sia come si sentivano sia come venivano percepiti dagli altri. “La profondità è nelle immagini, non in quello che dico di loro”, ha detto una volta al New York Magazine.

Joel Shapiro, un acclamato scultore post-minimalista la cui coorte includeva artisti come Eva Hesse, Richard Serra e Lynda Benglis, è morto a giugno all’età di 83 anni. Come il lavoro dei suoi colleghi, le sue sculture hanno sovvertito il contenuto non rappresentazionale, le forme geometriche e i materiali industriali del minimalismo. Una mostra alla galleria Paula Cooper negli anni ’70, ad esempio, presentava minuscole case in ghisa e bronzo, la cui scala era una reazione alla monumentalità del minimalismo e le cui forme riconoscibili le differenziavano dalla scultura astratta dei minimalisti. Negli anni ’80, produceva opere fatte di travi metalliche, con estensioni simili a arti che sembrano sbattere e agitare. “Sono interessato a quei momenti in cui sembra che sia una figura e altri momenti in cui sembra un mucchio di legno incollato insieme”, ha detto una volta.

Leonard Lauder, erede di una fortuna di cosmetici e importante collezionista d’arte e filantropo, è morto a giugno all’età di 92 anni. Il figlio maggiore di Estée Lauder, ha contribuito a trasformare la sua omonima azienda in un colosso nel corso dei suoi molti decenni di lavoro lì. La collezione d’arte personale di Lauder è stata il risultato di 40 anni di collezionismo ed è stata stimata per un valore di oltre 1 miliardo di dollari. Lauder aveva legami particolarmente profondi con il Metropolitan Museum of Art di New York. Nel 2013 ha donato al museo 81 dipinti, sculture e collage cubisti, tra cui opere di Pablo Picasso, Georges Braque, Fernand Léger e Juan Gris. Lauder ha anche ricoperto la carica di presidente emerito al Whitney Museum ed è stato un amministratore fiduciario lì dal 1977 al 2011.

Robert Wilson, un drammaturgo e artista che ha coltivato un fedele seguito nel mondo dell’arte, è morto a luglio all’età di 83 anni. Il lavoro di Wilson spaziava dalla scultura alle opere liriche; vedeva poca divisione tra arte e teatro. Nato a Waco, Texas, ha frequentato l’Università del Texas, poi si è trasferito a Brooklyn per studiare architettura al Pratt Institute, dove si è avvicinato alla danza e ha realizzato i suoi primi pezzi teatrali. Dopo essersi laureato nel 1966, Wilson ha fondato una compagnia di performance sperimentale, la Byrd Hoffman School of Byrds. Nel 1976 ha aperto nuovi orizzonti teatrali con Einstein on the Beach, un’opera di cinque ore con musica di Philip Glass e poco in termini di narrativa tradizionale. Sono seguite altre importanti produzioni, che hanno reso Wilson un nome come regista. Nel 1992 ha fondato il Watermill Center, un laboratorio artistico a Long Island.

Raymond Saunders, che ha creato dipinti enigmatici con sfumature sociopolitiche, è morto a luglio all’età di 90 anni. Le tele in stile assemblage di Saunders si distinguono per l’integrazione di oggetti e immagini trovati e per l’uso estensivo di vernice nera. Saunders ha ricevuto un BA dal Carnegie Institute of Technology e un MFA dal California College of Arts and Crafts, dove in seguito ha insegnato. Il suo lavoro è stato presentato in mostre fondamentali tra cui “Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power, 1963-1983”, organizzata dalla Tate Modern di Londra nel 2017, e “Now Dig This! Art and Black Los Angeles, 1960-1980”, organizzata dall’Hammer Museum di Los Angeles nel 2011. Nel 2025 una retrospettiva con 35 delle opere su larga scala di Saunders è stata esposta al Carnegie Museum of Art di Pittsburgh.

Agnes Gund, una delle collezioniste d’arte e mecenati d’arte americane più influenti del suo tempo, è morta a settembre. Aveva 87 anni. Il mecenatismo di Gund si è fatto sentire maggiormente al Museum of Modern Art, a cui ha donato più di 250 opere d’arte. È stata anche elencata come amministratore fiduciario permanente al Cleveland Museum of Art, amministratore fiduciario a vita presso la Morgan Library and Museum e direttore emerito al Museum of Contemporary Art Cleveland. Per oltre 60 anni, a partire dalla metà degli anni ’60 con l’espressionismo astratto, Gund ha portato un occhio discriminante al collezionismo d’arte, prestando particolare attenzione alle artiste e agli artisti di colore. Nel 1977 ha fondato l’organizzazione senza scopo di lucro Studio in the School, che offre corsi d’arte ai bambini, e durante la crisi dell’AIDS ha sostenuto la lotta per i diritti dei gay. Nel 2017 ha venduto un dipinto di Roy Lichtenstein per 165 milioni di dollari per lanciare l’Art for Justice Fund, una campagna per porre fine all’incarcerazione di massa.

Robert Grosvenor, uno scultore che ha flirtato con il minimalismo prima di produrre opere sempre più idiosincratiche, è morto a settembre all’età di 88 anni. Grosvenor ha guadagnato consensi a New York durante gli anni ’60 quando ha esposto il suo lavoro insieme a famosi minimalisti, apparendo in mostre come la “Primary Structures” che ha definito il movimento al Jewish Museum nel 1966. Ma le sculture che ha realizzato nei decenni successivi si sono discostate dal minimalismo, anche se anche queste opere erano essenziali e realizzate con materiali industriali. Ha realizzato forme in acciaio che si estendevano verso il basso dal soffitto, ha tagliato pesanti travi di legno e le ha dipinte con creosoto e ha prodotto sculture che sembravano automobili, barche e rimorchi. La peculiarità della sua arte è stata una delle ragioni per cui Grosvenor ha trovato così tanti ammiratori, tra cui la critica Roberta Smith, che lo ha definito “il lupo solitario della scultura”.

Artista, scrittrice e talvolta wrestler Rosalyn Drexler, i cui dipinti di star del cinema, mafiosi e immagini pubblicitarie hanno negli ultimi anni guadagnato un ampio plauso, è morta a settembre all’età di 98 anni. Drexler è oggi considerata una delle artiste chiave associate al movimento Pop Art. Come Andy Warhol, ha dipinto Marilyn Monroe. Come James Rosenquist, è stata attratta dall’immaginario commerciale. Come Marisol, ha espresso preoccupazione per il modo in cui i media incoraggiavano la violenza contro le donne. Drexler lavorava spesso con immagini trovate, dipingendo gli sfondi circostanti per decontestualizzarli. Una mostra del 2016 del suo lavoro al Rose Art Museum ha portato una maggiore attenzione al suo lavoro, che è stato successivamente acquisito dal Museum of Modern Art, dal Buffalo AKG Art Museum e dal Whitney Museum, tra le altre istituzioni.

Alison Knowles è morta a 92 anni a ottobre. Insieme a George Maciunas, Yoko Ono, George Brecht e altri, è stata un’artista chiave del movimento Fluxus degli anni ’60, che ha enfatizzato la performance. Molte delle sculture, performance e opere musicali di Knowles erano così semplici che chiunque poteva produrle, il che era esattamente il suo punto. Make a Salad, eseguita per la prima volta nel 1962, è radicata in un punteggio di eventi, una direttiva basata sul testo che può essere attuata dal suo lettore. Quel punteggio, in questo caso, consiste solo nel suo titolo, senza ulteriori direttive. Da allora è stato eseguito in luoghi che vanno da Art Basel in Svizzera alla Tate Modern di Londra. “Voglio che il mio lavoro espanda i termini di coinvolgimento”, ha detto Knowles al New York Times nel 2022. “Non voglio che le persone guardino passivamente il mio lavoro, ma che partecipino attivamente”.

Ken Jacobs, un importante regista sperimentale, è morto a ottobre all’età di 92 anni. Jacobs è stato una figura centrale della scena cinematografica underground newyorkese del dopoguerra. Ha spinto i limiti di ciò che il cinema poteva essere in opere come Tom, Tom, the Piper’s Son (1969), in cui una parte di un film di D.W. Griffith viene rallentata, fermata e ripetuta in loop. È ora considerato un esempio iconico di strutturalismo, in cui i registi richiamano l’attenzione sugli aspetti fisici del loro mezzo. Mentre Jacobs è fondamentale per la storia del cinema sperimentale, fino a poco tempo fa è rimasto ai margini del canone artistico degli anni ’60. Ma ultimamente il suo lavoro è stato ampiamente presentato nei musei di New York. Il suo film del 1960 Little Stabs at Happiness è attualmente in mostra al Whitney Museum nella mostra “Sixties Surreal”.

Mohamed Hamidi, un padre fondatore dell’arte moderna marocchina, è morto a ottobre all’età di 84 anni. Hamidi è nato a Casablanca nel 1941 e ha studiato arte lì prima di trasferirsi a Parigi nel 1959. Il suo ritorno a casa nel 1967 ha coinciso con una rinascita culturale – in tutto, dalle belle arti al graphic design – che ha fuso le idee moderniste con le particolarità della cultura marocchina. Dal 1967 al 1975, ha insegnato alla Casablanca School, recentemente “democratizzata”, che ha coltivato una nuova generazione di artisti marocchini impegnati socialmente e lungimiranti. Sebbene i dipinti di Hamidi fossero incentrati sul corpo, erano in gran parte astratti, incorporando linee curve caratteristiche delle opere d’arte della Casablanca School, motivi ispirati all’artigianato tradizionale del Maghreb e forme geometriche intersecanti che, pur non essendo strettamente rappresentative, erano distintamente erotiche.

Milton Esterow, che ha posseduto e curato ARTnews dal 1972 al 2014, è morto a ottobre all’età di 97 anni. Esterow ha frequentato il Brooklyn College e, mentre era studente lì, ha ottenuto un lavoro come copy boy con il New York Times, che lo ha nominato giornalista nel 1948. Inizialmente si è concentrato sul crimine, poi si è rivolto alle arti. Il suo approccio, insolito per la sua epoca, prevedeva di trattare le storie d’arte come occasioni di giornalismo investigativo. Nel 1964 ha scritto un pezzo sull’arte saccheggiata in Europa negli anni successivi alla seconda guerra mondiale; è finito in prima pagina del Times, una rarità per una storia d’arte sia allora che ora. L’impatto di Esterow su ARTnews (che ora è di proprietà di Penske Media) è stato più evidente nella sua trasformazione in un’entità incentrata sulle notizie che ha ottenuto il riconoscimento nazionale per alcuni dei suoi reportage investigativi.

Dorothy Vogel e suo marito, Herbert, sono diventati famosi per aver costruito un’impressionante collezione d’arte lavorando rispettivamente come bibliotecaria e impiegato postale. Dorothy è morta a novembre all’età di 90 anni. La coppia si è sposata nel 1962 e ha subito iniziato a collezionare, usando il suo stipendio per acquistare arte e il suo per le loro modeste spese di soggiorno. (Herbert è morto nel 2012.) Hanno acquistato l’arte minimalista, post-minimalista e concettuale del loro tempo, tra cui opere di artisti come Donald Judd, Roy Lichtenstein, Sol LeWitt, Robert Mangold e Christo. Non hanno mai venduto nulla dalla loro collezione, che era ospitata nel loro appartamento con una camera da letto e affitto controllato nell’Upper East Side di New York. Nel 1992 i Vogels hanno annunciato che avrebbero donato le loro partecipazioni alla National Gallery of Art di Washington, D.C.

Martin Parr, un fotografo noto per le sue foto ironiche di acquirenti, bagnanti e turisti, è morto a dicembre all’età di 73 anni. Rimane famoso per la sua serie del 1983-85 “The Last Resort”, per la quale ha fotografato bagnanti a New Brighton Beach in Inghilterra. Le foto catturano una cultura in balia dell’idea del relax ma incapace di realizzarlo effettivamente. Parr ha continuato quel tema con la sua serie del 1987-94 “Small World”, in cui ha fotografato turisti in località straniere, facendo tutt’altro che guardare i panorami. È entrato a far parte del collettivo fotografico Magnum nel 1994 e ne è stato presidente dal 2013 al 2017. Ha anche esposto regolarmente in musei d’arte, con retrospettive al Barbican Centre di Londra e alla Haus der Kunst di Monaco. Parr sarà il prossimo anno il soggetto di una retrospettiva al Jeu de Paume di Parigi. Monaco.

Frank Gehry, un architetto pluripremiato i cui progetti per i musei si sono rivelati ampiamente influenti, è morto a dicembre all’età di 96 anni. Più di ogni altro architetto dell’ultimo mezzo secolo, Gehry ha cambiato il campo dell’architettura museale. Le sue forme ondulate hanno contribuito a spostare le istituzioni artistiche in una nuova direzione, dimostrando che non devono essere pantheon neoclassici o strutture moderniste dai bordi duri. Il più famoso dei suoi edifici museali è stato il Guggenheim Bilbao, il museo spagnolo che ha aperto nel 1997. Gehry ha continuato a supervisionare altri edifici museali, tra cui un ampliamento del Philadelphia Museum of Art, il museo Fondation Louis Vuitton a Parigi e il LUMA Arles in Francia. Un altro museo Guggenheim, ad Abu Dhabi, è attualmente in costruzione.